Hoy damos un panorama general de la escena de la música mestiza y ritmos transfronterizos que se desarrollan en Alemania, desde el reggae, dancehall, hip hop, pasando por la polka, el balkan y el latin ska hasta llegar a la salsa y ritmos afrocaribeños. Que no los engañen, Alemania no es sólo Rammstein ni Techno-music !!!
Mimi Maura (Argentina) se presentó en la “Radical Music Network” el 25 de Julio del 2012, acompañados por Ishikawa Michihisa Session. Este evento, que es organizado año tras año por el colectivo JAPONICUS fue la plataforma inicial de su tour por el país nipon en 2012, durante el cual compartieron escenario con Che Sudaka, Tex & Sunflower Seed, EKD, Caribbean Dandy and DJ Scratchy.
Los fans de Tokyo pudieron asi disfrutar a esta gran agrupación tocando un gran repertorio de sus canciones favoritas, incluyendo los tracks que conforman el álbum “Mimi Maura”, de reciente edición en Japón. “Adios a los tiempos”, fue interpretada junto a la cantante japonesa Naruko, quien se unió a ellos en el escenario.
COMENZAMOS NUESTRO VIAJE MUSICAL DE ESTA SEMANA DESDE MALÍ DESCUBRIENDO EL NUEVO DISCO DE ROKIA TRAORÉ, QUE LLEVA POR TÍTULO BEATIFUL AFRICA. ROKIA TRAORÉ PROCEDE DE LA REGIÓN DE BELIDOUGOU, CERCA DE LA FRONTERA CON MAURITANIA. PERTENECE A LA ETNIA BAMBARA. NACIÓ EN 1974 Y DURANTE SU INFANCIA Y JUVENTUD VIVIÓ EN MUCHOS PAÍSES YA QUE SU PADRE ERA DIPLOMÁTICO. ENTRE ELLOS VIVIÓ EN ARGELIA, ARABIA SAUDÍ, FRANCIA Y BÉLGICA. ROKIA TRAORÉ ESTARÁ PRESENTE EN EL PRÓXIMO FESTIVAL WOMAD CÁCERES, ESTE PRÓXIMO MES DE MAYO.
Y YA QUE ESTAMOS DESCUBRIENDO NUEVOS DISCOS NOS TRASLADAMOS DE MALÍ HASTA EL REINO UNIDO PARA HACER LO PROPIO CON EL NUEVO TRABAJO DISCOGRÁFICO DEL GRUPO GAUDÍ, QUE LLEVA POR TÍTULO IN BETWEEN TIMES.
Y SEGUIMOS CON ESTO DE DESCUBRIR NUEVOS DISCOS. LE TOCA EL TURNO AHORA A KOBO TOWN, QUE VIENE A LA VUELTA AL MUNDO EN 80 MÚSICAS DESDE TRINIDAD, VIA TORONTO. KOBO TOWN PUBLICA PRECISAMENTE HOY, 23 DE ABRIL, SU DISCO JUMBIE IN THE JUKEBOX.
Y SIN MARCHARNOS DE ÁFRICA, VAMOS A DELEITARNOS CON EL GRUPO MONOSWEZI, CUYA PROCEDENCIA EN VERDAD TAMBIÉN TIENE COMPONENTES EUROPEOS. ELLOS CONCRETAMENTE VIENEN DE MOZAMBIQUE, ZIMBAWE, SUECIA Y NORUEGA. SU DISCO SE LLAMA THE VILLAGE. MONOSWEZI ES UN COLECTIVO DE MÚSICOS CON UNA PASIÓN COMÚN POR LA MÚSICA TRADICIONAL AFRICANA EN GENERAL Y POR LA DE ZIMBAWE Y MOZAMBIQUE EN PARTICULAR. ELLOS COMBINAN EL RESPETO DE LA TRADICIÓN CON DIFERENTES REFERENCIAS Y EXPERIENCIAS DE JAZZ Y MÚSICA MODERNA OCCIDENTAL.
Y VAMOS A TERMINAR EL PROGRAMA CON MÚSICAS QUE HE VISTO, O VOY A VER, EN DIRECTO. EN CONCRETO EMPEZAMOS CON MÚSICAS QUE HE VISTO EN DIRECTO, ESTE PASADO FIN DE SEMANA, EN CÓRDOBA. HE TENIDO EL PLACER Y EL PRIVILEGIO DE VOLVER A VER EN CONCIERTO A WIM MERTENS, ESTE COMPOSITOR, MUSICÓLOGO, PIANISTA Y CANTANTE BELGA QUE PRESENTABA EN CÓRDOBA SU NUEVO DISCO A STARRY WISDOM.
Y NOS DESPEDIMOS CON LO QUE VERÉ ESTE PRÓXIMO MIÉRCOLES 24 DE ABRIL, AQUÍ EN HUELVA, EN LAS COCHERAS DEL PUERTO. SE TRATA DE VER EL CONCIERTO HOMENAJE PÓSTUMO A JUANITA CALAVERA, QUE POR SEGUNDA VEZ EN SU LARGA VIDA MUERE EN UN ESCENARIO. ESTE PERSONAJE DE FICCIÓN YA FALLECIÓ EN UNA OCASIÓN Y DESPUÉS DE AQUELLO RESUCITÓ, Y AHORA, PUES, VUELVE A FALLECER.
Escucha AQUI
A ritmo de cumbia, tropical beats, reggae y demás mezclas, “Ovni Guarajé” hace bailar y gozar mezclando los ambientes afrolatinos más populares y refrescantes en un ritual energético y vibrante. Su primer disco, llamado ‘Don de Maya’, surge como un sacacorchos que destapa la tubería intergaláctica que conecta la ola afrolatina y la electrónica para el resto del mundo.
Con base en Madrid, este Objeto Volador No Identificado aterriza en el soundcloud de Rebel Sounds como otra de las enormes sorpresas musicales de este 2013.
Cumbia Mestiza + Hip Hop + Electrónica
Los tripulantes de la nave son DJ Caution, productor musical y DJ actual de El Chojin y La Excepción, enamorado desde el 2009 de las músicas tropicales que nos unen. Laura Lima, de origen cubano, excelente letrista, derrocha poderío en todas sus facetas. ElMeditador, letrista e improvisador fonético, chamán energético. William Carreazo, percusionista afrocolombiano, mago de la gaita colombiana.
‘LA VUELTA AL MUNDO EN 80 MÚSICAS’ ES UN PROGRAMA DE RADIO DEDICADO A LOS RITMOS ÉTNICOS Y A LAS MÚSICAS DEL MUNDO (WORLD BEAT/WORLD MUSIC), DESDE SUS ORÍGENES HASTA LAS VANGUARDIAS DE HOY… EN UNIRADIO, LA RADIO DE LA UNIVERSIDAD DE HUELVA (ESPAÑA)
‘LA VUELTA AL MUNDO EN 80 MÚSICAS’ LLEVA EN ANTENA DESDE EL AÑO 2008, PROGRAMANDO CADA SEMANA UN AMPLIO ABANICO DE SONIDOS PROCEDENTES DE TODOS LOS RINCONES DEL PLANETA. TODOS LOS ESTILOS, TODOS LOS PAÍSES, TODOS LOS GRUPOS… TODAS LAS MÚSICAS!!
Presenta: Alejandro López García
Escucha aquí la emisión del 16 de Abril de 2013
COMENZAMOS NUESTRO VIAJE SONORO DE ESTA SEMANA DESDE LA ISLA DE LA REUNIÓN, DE DONDE TRAEMOS A CHRISTIN SALEM Y SU DISCO SALEM TRADITION, UN LP DE 15 TEMAS DE MÚSICA MALOYA, MÚSICA TRADICIONAL DE DICHA ISLA, UNA MÚSICA QUE ES EL REFLEJO DE LA DIVERSIDAD CULTURAL DE ESTA ISLA, PUES HA SIDO CRUCE DE CAMINOS DE EUROPA, ÁFRICA Y ASIA.
LA ISLA DE REUNIÓN ES UN DEPARTAMENTO DE ULTRAMAR DE FRANCIA. ESTÁ SITUADA EN EL OCÉANO ÍNDICO, EN EL ARCHIPIÉLAGO DE LAS MASCAREÑAS, JUNTO A LA ISLA MAURICIO Y RODRIGUES, AL ESTE DE MADAGASCAR, Y ES UNA REGIÓN ULTRAPERIFÉRICA DE LA UNIÓN EUROPEA. COMO EL RESTO DE DEPARTAMENTOS DE ULTRAMAR, TAMBIÉN ES UNA REGIÓN DE FRANCIA Y FORMA PARTE DE LA REPÚBLICA.
Y DE LA ISLA DE REUNIÓN NOS VAMOS AHORA HASTA MELBURNE, AUSTRALIA, PARA TRAER A LA VUELTA AL MUNDO EN 80 MÚSICAS LOS SONIDOS BALCÁNICOS PERO MÁS OSCUROS DE LA BANDA UNIFIED GECKO, QUE NOS PRESENTAN SU ÁLBUM NINE IS THE NEW FOR. ESTA BANDA ESTÁ COMPUESTA POR 7 MÚSICOS DE LA MEJOR ESCENA DEL JAZZ DE MELBOURNE, DEL REGGAE Y DEL HIP HOP, Y HACEN SU PROPIA MÚSICA BOGGIE DEL MEDIO ORIENTE. EN PALABRAS DE ELLOS MISMOS, LO QUE HACEN ES INTERGALACTIC GYPSY REGGAE FUNK.
Y DE AUSTRALIA NOS VENIMOS HASTA FRANCIA, EXACTAMENTE A LA CIUDAD DE NANTES, PARA DELEITARNOS OYENDO AL GRUPO BLUEMANGO, UNA FORMACIÓN CON UN ESTILO FUERTEMENTE INFLUENCIADO POR EL GROOVE, Y QUE SE ADENTRA EN EL SOUL, EL REGGAE, EL JAZZ, AFRO, LATIN Y RYTH’M’BLUES. HAN EDITADO UN DISCO TITULADO EBAEBAÏO. BLUEMANGO ESTÁ COMPUESTO POR 3 VOCES FEMENINAS, QUE LE DAN UN TOQUE MUY ESPECIAL. ELLAS SON LINE TAFOMAT, MARIANNE JAGUT Y CÉLINE HONORINE. EN EL BAJO Y LA GUITARRA ESTÁ HERVÉ GODARD Y A LAS PERCUSIONES ESTÁ EL VENEZOLANO GUSTAVO PALACIOS OVALLES.
COMPROBAMOS POSTERIORMENTE UN POCO DE LO QUE SE ESTÁ HACIENDO EN BRASIL EN CUANTO A PSICODELIA. PARA ELLO NOS VAMOS A SERVIR DEL DISCO RECOPILATORIO DEL SELLO WORLD MUSIC NETWORK, THE ROUGH GUIDE TO PSYCHEDELIC BRAZIL.
Y TERMINAMNOS RECORDÁNDOTE QUE SI ESTÁS POR HUELVA ESTA SEMANA, TIENES UN MARAVILLOSO FESTIVAL DE JAZZ Y MÁS ORGANIZADO POR LA MAGNÍFICA PROMOTORA DE CONCIERTOS QUE ES KST MÚSICA. OIMOS ALGO DE LO QUE YA HA SONADO EN ESE FESTIVAL CON EL GRUPO LA CANALLA Y NOS DESPEDIMOS CON MINGO BALAGUER & THE JAZZ INTRUDERS, QUE ESTARÁN ESTA MISMA SEMANA EN ESTE FESTIVAL.
Manuel Gamboa, mejor conocido en la escena musical alterlatina como “El Alguacil”, ha sido una figura importante no solo para Colombia, sino para toda América Latina. Iniciando a colaborar desde hace poco más de 10 años en la escena underground de Bogotá con innumerables bandas entre las que podemos mencionar a La Chauma, Bomba Alacrán y Satélite, navegando entre el rock, el funk, electrónica, punk y reggae.
Con toda esta experiencia a su espalda, inicia en 2004 el Dub Killer Combo donde plasma su amor y conocimiento del reggae y el dub sin dejar de lado el espíritu ecléctico musical que lo caracteriza. En 2009 sale a la luz su álbum Root Boy el cual fue aclamado no solo por la escena reggae, sino tambien por gente del hip hop y la música mestiza.
Para entonces, el Alguacil ya es un reconocido y respetado productor en todo el mundo debido a sus múltiples colaboraciones internacionales entre las que se cuentan Lyricson (Ghana), Deeder Zaman (UK) de Asian Dub Foundation, Red Star Lion de Dub Pistols, Anthony B (Jamaica) entre muchos más; siendo invitado por el Sargento Garcia (después de haber trabajado juntos con DKC en años anteriores) para colaborar en la producción y realización de su último álbum “Una y Otra Vez“, participando desde entonces de manera activa con Bruno y los Cumbiamuffin All Stars en producciones y conciertos alrededor del mundo.
En 2011, su “Rootboy Riddim” da la vuelta al globo con 16 distintas versiones, cantada cada una de ellas por personalidades únicas, siendo este, el primer One-Riddim producido en Latinoamérica con colaboraciones de renombre.
Hablar de Manuel Gamboa es nombrar toda una historia musical tremenda, además ha musicalizado producciones cinematográficas, en fin, el genio detrás de los controles de los Estudios Audionaranja es sin duda un ejemplo a seguir, pues además de todos los logros anteriormente mencionados, al Alguacil lo caracteriza una ideología contestataria, directa, de colaboración y compartición con el prójimo, cantándole a su vez a las injusticias como a los amores y desamores, en resumen, el compadre Alguacial anda REBELDE.
…y es así como llega la primera colaboración con el colectivo REBEL SOUNDS, quienes en 2011 lanzan una convocatoria para los DJs y Productores interesados en colaborar con una pequeña pieza musical a ser incluida en el compilado de ese mismo año. “Rebel Sounds” es la pieza que nos envío el Alguacil en ese entonces, y por su calidad musical y lírica quedo seleccionada entre los 4 Intros/Outros de los discos mencionados.
Ahora, en 2013, Manuel nos sorprendió a toda la Comunidad Sonora al presentarnos una nueva versión de esta canción a través de una sesión grabada en vivo por los compadres de AmplificadoTV.
Esta pequeña reseña, es entonces mi forma de darle las gracias a Manuel, POR TODO, a nombre de la comunidad sonora Rebel Sounds, hermanando puentes a través de la transfronterización musical.
¿Qué es?
MESTIROOTS pretende ser un espacio para conocer, difundir, platicar y concientizarnos sobre las expresiones artísticas como resultado del encuentro de culturas distintas: música, danza, teatro, cine, artes gráficas, así como un enfoque social sobre la migración y los distintos fenómenos causantes y derivados de ello, sin dejar soslayada la importancia de las raíces originarias. Para aquellos que no están familiarizados con el proyecto tal vez la idea quede un poco más clara al darse una vuelta por la página y ver todo lo que se ha posteado hasta ahora, en sí, intentamos ser una revista digital de mestizaje cultural.
CONVOCATORIA
Dirigido a:
A tod@s l@s compañer@s del mundo interesad@s en compartir el mestizaje cultural en sus diferentes expresiones a través de textos, videos, entrevistas, diseños, eventos, reseñas, etc., ya sean propios o no (con la debida cita), sin afán de protagonismos y con la idea en mente de seguir aprendiendo juntos.
Requisitos:
¿Cómo participar?
Después de haber visto lo que tenemos en la página, envíanos 2 colaboraciones de la forma que prefieras al correo de la página:
mestiroots@gmail.com
Además de las colaboraciones te pedimos que nos digas tus razones para querer participar, así como tu nombre o nickname y país de origen.
Fecha límite:
21 de Abril ó hasta juntar a los 3 colaboradores que buscamos en esta ocasión
A nombre del equipo de MESTIROOTS, muchas gracias desde ya
Aníbal
Rebel Sounds::Mestiroots::México-Alemania
Después de un EP, innumerables canciones en soundcloud, sencillos en vinilos y de haberse recorrido medio mundo con su mezcla de reggae, dubstep, breakbeat y mezclas electrónicas, el dúo alemán iLLBiLLY HiTEC presentó su primer álbum de larga duración “Reggaetronics” el pasado Sábado 16 de Marzo en el legendario SO36 del multicultural barrio Kreuzberg en Berlin.
La expectación era grande por parte de la banda y sus fieles seguidores, pues pese a haber tenido presentaciones exitosas en países tan distantes como Japón, México, India y Vietnam, en Berlin, su casa, la cuestión es diferente, pues en una ciudad llena de alternativas musicales, tener un público constante siempre es difícil, sin embargo, con su calidad musical aunada al gran cartel que integraron para su fiesta, el éxito estaba asegurado.
Minutos después de las 9 de la noche, el MC francés Tribuman subió al escenario con el respaldo en las consolas de la gente de Dirty Ragga Squad; el originario de Estrasburgo, con su mezcla de reggae-dancehall-ragga-hiphop puso a bailar a un SO36 que le respondió desde la primera canción, demostrando así, la experiencia adquirida con las innumerables colaboraciones y conciertos en los que ha participado en su ya larga carrera.
Venía el turno de los festejados, ya con un público ávido por el baile y el desenfreno, iLLBiLLY HiTEC, el dúo conformado por Alex en la batería y Thomas en las tornamesas salto al escenario acompañados de su inseparable amigo Longfingah, MC que los ha acompañado en todas sus giras y que se presenta con ellos en la mayoría de los shows en vivo.
Con esa mezcla única de ritmos jamaiquinos entremezclados con beats electrónicos y matizados por la voz de Hagen, el concierto fue un rotundo éxito, con un público desbordante de felicidad y euforia al escuchar los potentes bajos de Higher Calling, el ragga en Rebel Style, la colaboración en el escenario con Tribuman y por supuesto el propiamente llamado reggaetronics que los ha caracterizado desde sus inicios.
La noche siguió con un ritmo desbordante al ritmo del dúo coreano-germano Symbiz Sound quien sorprendió a propios y extraños y cerrando con broche de oro la gente de Dirty Ragga Squad en tornamesas.
Una noche sin duda alucinante para el público asistente.
Así mismo, llevamos a cabo una amena entrevista con Alex de iLLBiLLY HiTEC quien nos platica un poco sobre el nuevo disco, las giras que han hecho y lo que viene a futuro, aquí se las transcribimos (en castellano):
Mestiroots: ¿Porqué el nombre de “Reggaetronics”?
Alex: Reggaetronics es lo que hacemos. Dado que somos nuevos en la escena, la gente no puede identificar nuestro estilo con solo leer el nombre de la banda, nuestras gráficas tampoco están muy relacionadas con la música reggae, por lo que pensamos en hacer el nombre del disco lo más claro posible, de tal forma que la gente pueda saber que es lo que hay en él.
M: Antes del lanzamiento de “Reggaetronics” compartieron su riddim ‘East2West’ con muchos músicos, ¿como fue el resultado de estas colaboraciones?
A: El compartir este riddim con amigos y artistas que hemos conocido en la ruta fue una gran experiencia, recibimos muchas y muy buenas versiones de la canción, hicimos nuevos amigos a lo largo del globo y formamos una pequeña familia.
Lo curioso de esto es, que los artistas siguen pasando el riddim a sus amigos, con ello hemos recibido aún más versiones, remixes y mash ups de gente de la que nunca habíamos escuchado antes… y estamos seguros de que aún hay más por venir.
M: Además, podemos encontrar muchas colaboraciones en el álbum, cuéntanos algo acerca de los artistas que aparecen.
A: Además de todos los invitados, vas a encontrar a Longfingah como el cantante principal, quien también es el que presenta el álbum. Desde el principio de iLLBiLLY HiTEC trabajamos muy de cerca y damos conciertos juntos, por lo que fue una decisión natural el tenerlo a él en la mayoría de las canciones.
Los invitados como Lady N, Cecile, Dactah Chato ó Tribuman son artistas a quienes admiramos y que nos encanta trabajar con ellos; a la mayoría los conocemos de producciones o de conciertos en conjunto, dado que nos gusta que nuestra música este llena de matices y emociones, el álbum fue una gran oportunidad para trabajar con ellos de nuevo
M: Hablando de colaboraciones, hicieron un remix para la legendaria banda Seeed, el cual fue incluido en su disco oficial de remixes, ¿cómo fue el trabajar con ellos?
A: Seeed es la banda más representativa del género en Europa, para nosotros fue un honor el haber sido invitados a hacer un remix a su último sencillo, no teníamos mucho tiempo por lo que trabajamos muy rápido para lograrlo, y para nuestra sorpresa les encantó el resultado. Personalmente, soy un gran fan desde sus primeros álbums, es bueno saber que tambien les gusta nuestro estilo.
M: Solamente con su primer EP: Bad Boys Bass llegaron a tocar en diferentes países a lo largo de todo el mundo, ¿que nos dices de esta experiencia?, ¿y qué esperan con “Reggaetronics”?
A: Para nosotros fue una muy grata sorpresa que nuestro EP diera la vuelta al mundo. Cuando empezamos a girar por Europa haciendo conciertos en Inglaterra, Suiza, Polonia ya era una gran experiencia, a todos nos gusta viajar, así que cuando recibimos la invitación de India nos volvimos locos, simplemente no podíamos imaginar que gente de allá nos conociera, que les gustará lo que hacemos, y que nos diera la oportunidad de ir a tocar. Fue una tremenda experiencia.
Nuestro primer objetivo con el álbum es hacer feliz a la gente que nos ha apoyado hasta ahora. Sin embargo, no podemos decir realmente que anhelos o expectativas tenemos con este nuevo álbum, peor hasta ahora, hemos tenido suerte con el grupo y esperamos que continue así, de tal manera que podamos regresar a lugares como Japón o México, y continuar trabajando con los amigos que hemos hecho hasta ahora.
M: ¿Dónde se puede conseguir su álbum?
A: Reggaetronics está disponible en todas las tiendas on-line de todo el mundo, el CD lo puedes conseguir solo en Europa, o bien en nuestros shows si es que tocamos en otro lugar.
M: Por último, dinos algo para la gente de Latinoamérica
A: Fuimos a México en 2012 y realmente disfrutamos el tocar allá, esperamos regresar pronto y tambien visitar más países de América Latina. Hay tanta buena música y vibra viniendo a Europa desde esas latitudes, estamos realmente interesados en la gente y la cultura de allá. Un tour en América Latina es lo primero en nuestra agenda, pero hasta ahora no se han presentado las oportunidades. Esperamos en serio que esto cambie pronto.
Para el deleite de todos, iLLBiLLY HiTEC nos comparte un set promocional de su nuevo álbum “Reggaetronics”
No me queda más que agradecer a Alex, Thomas y Hagen por tan buen concierto, por toda su vibra positiva, y les deseamos el mejor de los éxitos en todo… y que suene el Reggaetronics por el mundo
Aníbal
50 años de vida, 30 de carrera musical y justo 6 después de su última gira vuelve el mayor representante de la música del país vasco a rolar por el mundo entero (literalmente).
Fermin ha pasado por todo un proceso musical que lo ha enriquecido durante toda su carrera, desde aquel punk contestatario con tintes reggae y ska de Kortatu (1983-1988)
Combatiendo después con el rap-hardcore-ragga-punk de Negu Gorriak (1990-2001)
Teniendo en paralelo a finales de los 90 una colaboración con los rockeros Dut (poniendo entonces un toque reggae propio) que quedase registrada como Fermin Muguruza eta Dut
E iniciando una carrera solista en 1999 con aquella bomba musical llena de colaboraciones que fue Brigadistak Sound System, su álbum debut.
Entre otros muchos proyectos donde ha participado, por ejemplo con Manu Chao en Jai Alai Katumbi Express
Ha incursionado tambien en el cine como director, teniendo hasta ahora entre su filmografía:
+ BASS-QUE CULTURE (2006)
+ CHECKPOINT ROCK (2009)
+ ZULOAK (2012)
Además de la serie de televisión NEXT MUSIC STATION para Al-Jazeera en 2011.
El “Comandante” Muguruza regresa entonces a recorrer el mundo con su música contestaria sin fronteras, acompañado de los Kontrakantxa: Mikel Txopeitia (BAP!, Negu Gorriak) en la bateria, quien ha acompañado a Fermin desde sus inicios como solista; Fino al sax, Jontron al trombón y Lonbi a la trompeta quienes son los metales de la banda desde el disco In-Komunikazioa; Zigor DZ (Selektah Kolektiboa) como DJ; Oskar Benas (Maika Makovski) guitarrista; y por supuesto su inseparable amigo y enorme músico Xabi Solano (Etzakit, The Solanos, Esne Beltza) en la trikitixa.
FERMIN MUGURUZA KONTRAKANTXA
NO MORE TOUR 2013
(Part I)
Martxoa/Marzo
21: DIYARBAKIR/AMED-Newroz
23: BONN – Newroz
Apirila/Abril
06: ONDARROA-Kafe Antzokia
http://www.kafeantzokia.com
11: RAMALLAH-Cultural Palace
http://electronicintifada.net
19: DURANGO-Kafe Antzokia
http://www.plateruenasarrerak.eu
20: BILBO-Kafe Antzokia
http://www.kafeantzokia.com
26: MANRESA-Stroika
https://www.codetickets.com/stroika/
27: VALENCIA-Burjasot
http://www.ticketea.com
29: BOCHUM – Bahnhof Langendreer
http://www.bahnhof-langendreer.info
Maiatza/Mayo
01: BERLIN-Kreuzberg Barrio Antifascist
http://barrioantifascista.blogsport.de/
04: VILLAROBLEDO – VIÑA ROCK Festival
http://www.vina-rock.com/
10: OURENSE-REPERKUSION Festival
http://www.reperkusion.com/index.php/gl/
11: ZARAUTZ-Udaberri Fest
16: BUENOS AIRES-Teatro Vorterix
http://www.elteatroonline.com.ar
17: CORDOBA-Sala Astral
18: SANTIAGO DE CHILE- Las Tejas
22: BOGOTA-TBC
25: MEXICO DF-El Plaza
31: GASTEIZ-Jimmy Jazz
http://jimmyjazzgasteiz.com
Ekaina/Junio
01: IRUÑERRIA-Hatortxu Rock 15
http://www.hatortxurock.org
08: ROMA-Corto Circuito CSOA
12: LOS ANGELES-House of Blues
13: NEW YORK-Bowery Electric
15: NEW YORK – The Swamp Brooklyn
17: MONTREAL-Francofolies Festival
21: MADRID-Planet Babylon Festival
22: TUTERA-Zezen Plaza/Nafarroa Oinez
28: LEKORNE-EHZ Festibala
http://ehz-festibala.eu
(Part II)
Uztaila/Julio
24: TOKYO-Club Asia
http://asia.iflyer.jp/venue/
Abuztua/Agosto
02: SYDNEY – Coogee Diggers
http://www.coogeediggers.com.au
23: LONDON-The Garage
http://mamacolive.com
31: AZKEN KONTZERTUA / LAST CONCERT
Junky Beat es un proyecto que se inicio hace aproximadamente 1 año como una colaboración entre Rebel Sounds y Radio Mixticius, a manera de podcast mensual se recorre la actualidad de los sonidos transfronterizos del globo.
Presentando el viaje sonoro para toda la familia, con ustedes el Junky Beat #12. Viaje cómodamente entre ritmos, mensajes y malabares con estas 13 canciones que aquí se le presentan. Transfronterización sonora, geográfica y planetaria: balkan & gypsy desde Brasil y Venezuela, Ska y Salsa se hermanan en Inglaterra, discos en descarga libre llegan desde España, esto y más se lleva, con solo darle click a la flechita de arriba de la foto.
Aquí puedes encontrar las 12 ediciones del Junky Beat
Posteado originalmente el 21 de Enero de 2013 en el Observatorio Cultural Veracruz
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De raíces y fronteras: sonoridades jarochas afromexicanas en Estados Unidos
Ishtar Cardona
(Segunda de cinco partes)
De tu tradición a mi tradición…
Hacia principios de los años setenta, en México algunas voces comienzan a cuestionar la lógica estética imperante en el son jarocho, y se proponen “rescatar” la auténtica tradición musical. Ya desde los años sesenta, un grupo de investigadores, antropólogos y etnomusicólogos en su mayoría, habían aprovechado el interés generado por la estructura de apropiación de las manifestaciones regionales fomentada desde el Estado en beneficio de la búsqueda de materiales sonoros autóctonos. Este grupo realizó una serie de investigaciones sobre las músicas en “vías de desaparición”, haciendo una apología de este universo primigenio, puro, idealizado, que había que “rescatar” mediante la recolección de testimonios grabados1.
Pero es a partir de los años setenta que se observa el surgimiento de una generación de jóvenes músicos, originarios de la zona, y en ocasiones instalados en la Ciudad de México, que se preguntan si no es a ellos a quienes corresponde rescatar la música jarocha, buscando ellos mismos las bases sobre las que se asienta el sistema simbólico de la práctica musical. Esto en parte gracias a la efervescencia que se vivió en México en aquellos años en torno a la trova, el canto nuevo y las músicas latinoamericanas. Así, comienzan por buscar el testimonio de los viejos jaraneros rurales. Estos viejos músicos serán una fuente abundante de información que será aprovechada a través de grabaciones de campo o mediante su incorporación a nuevos ensambles musicales, como ocurrió con Arcadio Hidalgo, quien se integra al grupo Mono Blanco, fundado en 1977 por Gilberto Gutiérrez, José Ángel Gutiérrez y Juan Pascoe.
Este colectivo general, capaz de reconocer a sus miembros mediante el prisma de una práctica heredada, y de provocar la adhesión de otros individuos a través de una estructura significante va a constituirse en el llamado Movimiento Jaranero (por el uso de la jarana) o Movimiento Sonero. Es en ese momento cuando se comienza a hablar de una “tradición” y de una “identidad” como si se tratase de entidades inseparables, a la vez que se genera un repertorio temático que acompaña a este binomio: los fandangos como fiestas contenedoras de la memoria común, las viejas familias de soneros, la herencia campesina que se traduce en formas muy precisas de hacer la música. Es decir, en ese momento la identidad se construye en tanto que vaso contenedor de la tradición, una tradición entendida como un sistema estético definido, de raíz histórica y no mutable.
A partir de los años noventa, el Movimiento Jaranero se expande, pero este crecimiento va de la mano de un aumento en la complejidad del sistema de acción: los actores del movimiento se dan cuenta de la dinamización de la carga simbólica en el seno de la práctica musical provocada por sí misma: hacer son jarocho no puede significar la imitación de la música hecha en los fandangos de antaño, pues de ella se ha perdido casi toda traza… Además, los músicos actuales han crecido escuchando otras sonoridades de las cuales también abreva su modo de concebir ritmos y melodías. Por otra parte, la presencia de músicos extranjeros a la región que se integran a las experiencias nacidas de esta nueva etapa de la música sotaventina, provoca que se replanteen los límites de lo “jarocho”.
Al interior del Movimiento se han presentado en los últimos años diversas fracturas y confrontaciones debidas a este replanteamiento: desde aspectos técnicos como la afinación de los instrumentos, hasta el rol social y político que debe de asumir el músico que se presenta como portador de una tradición.
El encuentro entre los músicos jarochos de la nueva generación y la comunidad méxico-americana se establece a principios de los años ochenta. Durante este periodo, el grupo Mono Blanco realizó una serie de giras a varias ciudades de los Estados Unidos con fuerte presencia de migrantes mexicanos. Detrás arrivan otros ensambles como Chuchumbé, Son de Madera y Los Utrera que abrirán más la puerta a una forma de profesionalizarse y ganar dinero con su práctica. Ahí, ellos conocieron músicos estadounidenses que apreciaban el son a partir de la interpretación del estilo de grupos folklóricos celebres en California durante los años cincuenta. El intercambio entre los nuevos músicos jarochos y los ensambles californianos comenzó bajo el signo de la desconfianza: en ese momento los músicos venidos de Veracruz no aceptaban como legítima la sonoridad producto de la escucha de discos de Lino Chávez o de Andrés Huesca. Por su parte, los músicos méxico-americanos -algunos de ellos identificados con las demandas del movimiento chicano- no encontraban en la ejecución de los veracruzanos la huella de eso que habían aprendido a nombrar “música jarocha”. Sin embargo, la curiosidad se impuso sobre la desconfianza. Los californianos buscaban los motivos del alejamiento de la “tradición” que creían percibir en la música de Mono Blanco, y de su lado los jarochos se reconocían en la búsqueda identitaria y de recomposición comunitaria de los chicanos.
No podemos dejar de lado este aspecto significativo del acercamiento entre jaraneros veracruzanos y jaraneros chicanos: la identificación que se establece en la búsqueda de un proyecto común. La memoria que se guarda del movimiento chicano de los años sesenta, en términos de su capacidad organizativa, de su resistencia cultural y de su afirmación identitaria permea el imaginario de los músicos soneros, de uno y otro lado de las fronteras nacionales. Aún si el contexto hoy día ha mutado y las búsquedas son otras, sigue latente la necesidad de conformar frentes comunes. En torno a esta memoria, aún si en el marco de las discusiones no se plantea de forma explícita, se ha construido una red de apoyo en la que se intercambian, por una parte, símbolos de una práctica regional a reformular, y por otra la enseñanza de la experiencia organizativa que pretende rescatar el yo en colectivo. No obstante, las diferencias entre unos y otros quedan marcadas desde las herencias no comunes y las divergencias internas. Se puede hablar de una comunidad de intención, más no de una tribu monolítica. Se ha expresado dentro de dichas reuniones que el acercamiento que han tenido los grupos chicanos con los grupos de son veracruzano se han dado…
…con respeto (y) sin pretender ser jarochos, sino para aprender y hacer intercambios, pues por el trabajo que han desarrollado (los jaraneros chicanos) con el son en su barrio pudieron unir su comunidad y fue para nosotros una educación total.2
Los lazos tejidos por los integrantes de este llamado Movimiento Sonero con los chicanos de California, Chicago y Nueva York no constituyen un hecho fortuito. A pesar de ellos mismos, a pesar de la nostalgia que pensaban irremediable, estos creadores han comenzado a establecer un diálogo con otros creadores a partir de la experiencia de la descomposición de los referentes habituales y del deseo de recomposición de su propia personalidad. Es a través del reconocimiento de otros proyectos portadores de significado que ellos pueden recoger las piezas de sus pertenencias identitarias y así tratar de reconstruir un espacio en donde las lógicas de acción se entrecrucen en un principio de producción de sí.
Banda: Mano Negra
Álbum: King of Bongo
Año: 1991
Arte: Tom Darnal
País: Francia
Agradecemos a Ishtar Cardona por permitirnos tomar el post desde su blog Observatorio Cultural Veracruz. Posteado originalmente el 7 de Enero de 2013
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De raíces y fronteras: sonoridades jarochas afromexicanas en Estados Unidos
Ishtar Cardona
(Primera de cinco partes)
We’re here, they’re there. They’re here, we’re there.
Tomas Ybarra-Frausto
Introducción
Este texto pretende reflexionar sobre las definiciones identitarias contenidas hoy en día en las prácticas artísticas y las expresiones culturales originadas en el imaginario híbrido mexicano, sobre los procesos de recreación de lo propio y la construcción de manifestaciones que traspasan las dicotomías de lo regional/nacional, nacional/trasnacional en el actual contexto de flujos migratorios.
La construcción de la identidad nacional en México favoreció el establecimiento de enclaves de mestizaje, lugares de cruce donde dos o más raíces dieron origen a una misma estructura que, en algunos casos, devino imagen estereotipada y susceptible de ser instrumentada más allá de lo local. En el caso de las regiones ligadas al espacio Caribe, la presencia de aquello que ha sido etiquetado como africano, indio y europeo se confronta hoy en día a la revisión de su propio sentido, así como a otras presencias que en la interacción construyen nuevas representaciones e imaginarios: la región se desborda de su referentes históricos y se recompone en el juego asimétrico de lo nacional y lo trasnacional.
Las expresiones de cultura popular y las búsquedas artísticas resienten y manifiestan estas transformaciones. Las fiestas, la música, la danza, las artes plásticas, los cantos, el teatro y la literatura dan cuenta de estas nuevas dinámicas, y los creadores culturales, quienes reproducen, experimentan y recrean en lo simbólico, se tornan sujetos y actores del cambio.
Como muchas expresiones populares actuales, el son jarocho, género musical originario de la costa atlántica de México, atraviesa un periodo de auge y proyección dentro de la escena de las llamadas músicas del mundo. Este auge se debe entre otras causas al trabajo de rescate de la memoria local que algunos colectivos han puesto en marcha durante los últimos treinta años: asistimos al nacimiento de actores que se autodenominan integrantes del Movimiento Jaranero o Movimiento Sonero, músicos que pretenden volver consciente el proceso de creación musical y darle visibilidad a una estética regional de cara a la apropiación que de este género hizo uso durante décadas el Estado Nacional.
Sin embargo, no podemos decir que estemos presenciando un retorno unilineal del viejo son jarocho: las lecturas que se realizan sobre la tradición y qué hacer con ella son múltiples. Si bien es cierto que es posible delimitar una cierta narrativa histórica del son jarocho común a todos los integrantes del movimiento, también es cierto que las filiaciones estéticas y la experiencia de los actores difieren. Las múltiples pertenencias identitarias, el mercado y la acción cultural en el contexto de las comunidades transnacionales a su vez devienen elementos de análisis necesarios para comprender cómo se reconstituye actualmente la noción de “tradición” y cómo las contradicciones la transforman en punto neurálgico, barrera y puerta de entrada a la vez para la comprensión y consolidación de un género que se busca a sí mismo más allá de su lugar de origen, del otro lado también…
Cruzando la línea, la nostalgia
El son jarocho experimentó, posterior a la construcción del regimen político post-revolucionario, un cambio de escenarios que lo llevaría a transfigurarse a lo largo de los años. El Son Jarocho es producto del mestizaje, o en todo caso hibridación, de distintos universos culturales (arabo-andaluz, nahua, africano, napolitano, canario), además de que ha recibido distintas influencias y se ha movido en contextos diversos a lo largo de la historia de su constitución, del siglo XVIII según las primeras fuentes históricas hasta nuestros días. Sin embargo, esta múltiple adscripción no se ha detenido en la mera estructuración de una narrativa estética, sino que ha abierto el juego múltiple de espejos de las pertenencias identitarias.
Recordemos que la música de Veracruz experimentó un primer cambio de escenario –y por lo tanto de códigos de representación– hacia la década de los años cuarenta: la campaña electoral de 1946 que llevaría a la presidencia a Miguel Alemán se realizó a ritmo de son a fin de neutralizar las acusaciones de entreguismo al capital extranjero que se le hacían al candidato veracruzano del flamante PRI. Ya hacia los años treinta, la creación de una zona de extracción petrolera en el sur del estado había provocado procesos de recomposición social que necesariamente afectaron las formas tradicionales de vida. Pero es la incorporación del son jarocho al repertorio de manifestaciones culturales administradas desde el Estado lo que va a originar su alejamiento de la raíz comunitaria y su consecuente folklorización. Esta administración de una expresión regional localizada, como tantas otras en el caso mexicano (el mariachi, la charrería, la artesanía), operó como vaso contenedor de las proyecciones identitarias necesarias a la conformación de un discurso nacional, y fue asumido efectivamente, por el conjunto social.¹
Mientras la música se instala rapidamente en los escenarios que se abren para su presentación, el fandango, espacio primario de la fiesta comunitaria rural o semiurbana, profundamente popular, se va vaciando de sentido. La introducción de la radio llena los espacios de celebración con nuevos ritmos, el mundo se abre, metiendo nuevos elementos en el espacio local y extrayendo los componentes de lo propio para su uso y exposición en los escenarios extralocales dispuestos para ello. Muchos son los músicos que en esos años migran a la Ciudad de México para tocar en foros abiertos a la representación de lo “nacional”: estaciones de radio como la XEW, la XEQ y la B Grande de México; centros sociales como el Casino Veracruzano, y centros nocturnos como el Sans Souci, el Follies y el Bremen. Varios de los conjuntos que hicieron de la vida nocturna un medio de trabajo viajan hacia el norte para integrarse al programa musical de sitios de espectáculo en Tijuana y Los Angeles. Debido a la existencia de un público deseoso de recuperar reflejos de un lugar de origen lejano, California se vuelve un sitio común de presentación de estos ensambles que darán origen al nacimiento de otras agrupaciones integradas por mexico-americanos, a la vez que se fundan conjuntos interesados en el estudio y ejecución de la música de Veracruz impulsados por investigadores universitarios de la Universidad de California.²
Steven Joseph Loza consigna en su libro Barrio rhythm: Mexican American music in Los Angeles la animada escena musical sostenida por la comunidad migrante latinoamericana, recién llegados o de segunda y tercera generación, en Los Angeles entre los años 30 y 90 del siglo XX. Según lo dicho por el autor, la presencia de músicos de origen mexicano fue constante y fluida, sobre todo durante el periodo de la II Guerra Mundial: populares estrellas de la industria cinematográfica como Jorge Negrete compartían cartelera con orquestas sinfónicas y compositores como Carlos Chávez. En un contexto en el que la industria del entretenimiento se fortalecía en un espacio diverso, no resultaba extraño leer en periódicos como La Opinión notas sobre la llegada del guitarrista español Andrés Segovia, presentaciones de Sinatra y funciones dedicadas a músicos tradicionales como Andrés Huesca y sus Costeños.3
Andrés Huesca fue uno de esos músicos surgidos del proceso de relocalización de la música tradicional veracruzana: a él se le adjudica la inserción del arpa grande en los conjuntos de música jarocha con fines totalmente escénicos, cinematográficos, para lucir eficazmente en los números musicales. Se dice que Andrés Huesca aprovechó tan bien el auge que el nacionalismo cultural y la industria del espectáculo ofrecían para los productos “tradicionales” que produjo dos grupos con el mismo nombre para poder respetar su saturada agenda.
Al mismo tiempo, fue uno de los músicos que más adaptó los códigos tradicionales para cumplir con las expectativas de los públicos masivos, variando los tiempos de ejecución de los sones, acomodando coros a varias voces en armonía y estilizando el vestuario y los bailes a gusto de los públicos urbanos, quienes no podrían encontrar sentido en las viejas dinámicas de representación de los fandangos comunitarios, rurales.
Al final de sus días, Huesca se instaló en Los Angeles, muriendo ahí de tuberculosis el 12 de septiembre de 1957. Aunque sus restos fueron repatriados, la familia del músico ha acusado constantemente la amnesia oficial, su arrinconamiento en “el baúl del olvido”, pese a haber sido “quien dio a conocer La Bamba al mundo”4.
Pero no podemos hablar de un olvido cabal. La recomposición que Andrés Huesca y demás músicos de esa generación como Lino Chávez y Nicolás Sosa operaron sobre la música jarocha tendría un futuro robusto al interior de las comunidades méxico-americanas en California y más allá en territorio estadounidense. No se trata solamente de señalar ciertos éxitos del repertorio jarocho que fueron expropiados por figuras de la canción popular norteamericana (p.ej. La Bamba en versión de Ritchie Valens): es todo un conjunto de imágenes, vehiculadas por ese folklore nacionalista montado en el caballo del espectáculo, que encuentra su receptáculo en la nostalgia de una comunidad que ya no es una con su supuesto lugar de origen.
La música de aquellos grupos creó escuela entre quienes creían encontrar en ese estilo, en esa práctica, reflejos de un mundo perdido que bien puede ser reconstruido de su lado de la frontera. En ese momento podemos empezar a hablar de una “invención de tradición”, que al igual que en México, fortaleció los discursos sobre una identidad “mexicana”, inmemorial, profundamente ligada al espíritu del pueblo. Un espacio de memoria en el que los migrantes, viejos y nuevos, hallaban una forma de denominarse herederos de cierta esencia. Pero esa esencia -si es que alguna vez existió- ya había sido trastocada por las prácticas del escenario, por los discursos de una mexicanidad que conforma su representación a partir de las piezas de los varios rompecabezas locales, por las mismas influencias que atraviesan a los trasterrados en su espacio cotidiano. Los contenidos de una supuesta tradición mexicana, objetivada en la música jarocha, van a presentarse influidos por la diversidad a la que se exponen los migrantes en su camino al norte, por la diversidad que ya habitan.
No obstante, ello no impide que en la reconstrucción de esa esencia tome cuerpo en la creación de ensambles que retoman el estilo del son ciertamente folklorizado. Grupos como el Conjunto Hueyapan, fundado en Oxnard en 1973 por el profesor Fermín Herrera, el Conjunto Alma Grande de los hermanos Moraza -originarios de Ventura- fundado en 1975, o los ensambles que animó durante sus años docentes Tim Harding, y ahora en su retiro, particularmente Los Tigres de la Sierra y el Conjunto Jardin retoman el estudio y la práctica del son jarocho desde una perspectiva estilística desde hace ya más de treinta años. La música que producen evidentemente está marcada por sus pertenencias particulares, y en el camino han generado un discurso de apropiación de la memoria desde su origen californiano, sin dejar de rendir homenaje a los maestros del son escenificado, reconociéndolos al mismo tiempo como innovadores y preservadores de la tradición.
Esta valoración de la dicotomía innovación/preservación en cuanto a la representación de los elementos culturales del son puede ser leída desde la experiencia misma de las comunidades migrantes. El sentido de la práctica musical no puede ser el mismo alejado, en tiempo y espacio, del recipiente original del son. La folkorización del son jarocho, como mencionábamos al principio del texto, opera bien y se transforma en memoria en contextos en los que los componentes rurales pierden su razón de ser. La tradición, como estructura legitimadora de la “verdad” del ser popular, marcha al mismo ritmo que se transforma ésta. Aquellos que ya no crecieron asistiendo a un fandango desconocen la liga intrínseca entre el espacio de la fiesta y de la música. Quienes disfrutaron de los sones a través de la escenificación de lo “mexicano” vía la televisión, los grandes conciertos o las representaciones de ballet folklórico no encontrarán extraño que sea por esos medios que se visibilice esta práctica. Y esto es válido tanto para quienes permanecieron en México como para quienes se mudaron de país. La tradición se constituye sobre todo en la nostalgia de nuestra comunidad imaginada a la Anderson.
Para Eric Weil5, la tradición se define desde el exterior: es a través de otra cultura que se puede tomar conciencia de las tradiciones propias. Siguiendo esta línea de pensamiento, podríamos decir que el interés por la tradición ha nacido en la cultura industrial urbana; este interés podrá crear dinámicas folklorizantes o provocar acercamientos pretendidamente más auténticos con el mundo rural. Otros investigadores de la tradición, como Jean-Pierre Estival sostienen que el hecho de poseer un discurso afirmando tradición vale por un contenido realmente tradicional: se puede interpretar por el carácter eminentemente performativo que otorgan sus actores a la definición de tradición, sobre todo cuando se trata de quienes detentan el saber, los eruditos de la tradición. Según Estival, podríamos bromear diciendo que la música tradicional es aquello que hacen los músicos tradicionales6.
Al mismo tiempo que se reproduce desde afuera lo que ya no posible tener desde adentro, porque el actor se sitúa en el afuera de la tradición original, la admiración, el respeto que se experimenta por la práctica primigenia se ve mediada por la transformación de sus elementos. Innovación/Preservación se nos presenta como entidad indisociable de los procesos de mutación de las memorias culturales, y es más evidente aún tratándose de memorias que se reconforman en el desarraigo. Por ello la valoración del estilo, de la técnica folklórica es eje articulador de la recreación del son jarocho del otro lado de la frontera. Y esta valoración será transmitida a los alumnos y seguidores de los primeros grupos de son fundados en California7. Pasarían algunos años antes de que este juicio se viera confrontado a nuevos discursos sobre la construcción de lo tradicional y las formas de reconstruir comunidad desde los múltiples afueras devenidos adentros.
El colectivo Tama Kan trae para la comunidad mexicana una oportunidad única para conocer más a fondo las diferentes artes del este del continente africano, ellos mismos se describen de la siguiente forma:
Proyecto de interculturalidad África-México integrado por los artistas; Zal Idrissa Sissoklho, Mohamed N’Diaye, Alhassane Dartagnan Camara, Ahmadou Antonie Bangoura, Yadi Camara, Bruno Martínez, Jerónimo González y Violeta Romero. Quienes tienen el objetivo de promover, desarrollar y compartir su cultura y el resultado de la interculturalidad. Intercambiando conocimientos y elementos musicales a través de la intervención de estos en escena y en foros de formación y diálogo, mediante actividades recreativas y educativas tales como talleres de danza, canto y percusión, clases magisteriales, conferencias en diversas ciudades de México. En donde fusionarán ritmos de origen senegales y guineano con un toque de mexicanidad e influenciados por géneros como el jazz, el funk, reggae, afro beat y latin music. Con un elenco multicultural Tama Kan ofrece un espectáculo de música afro-contemporánea de alta calidad escénica con elementos de música del mundo vinculando al público con la raíz africana desde un ángulo contemporáneo.
Oaxaca: 8 – 13 de Abril
Xalapa: 14 – 21 Abril
Ciudad de México: 22 – 28 Abril
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La Peli del Raval es un experimento intercultural y comunitario, en una búsqueda de contar nuestras historias o simplemente situaciones a través de un mensaje audiovisual. El Taller de Creación del guión de “La Peli” ha sido dictado por integrantes de la Asociación Paso a Paso en el Casal Jove Atlas. Han participado jóvenes integrantes del casal, vecinos del barrio y de Asociaciónes, y nos hemos atrevido a contar nuestra historia con un `punto irónico. Fundamentándonos en los 12 rumores sobre la inmigración, los integrantes del taller expresaron sus anécdotas e inquietudes, y fue ese el disparador del comienzo de un proyecto conjunto. En “La Peli” intentamos transmitir un mensaje claro, que todos los seres humanos tenemos las mismas necesidades básicas y eso nos hace iguales, y que para poder convivir es indispensable el respeto. La adaptación tiene que ser de todos.
Joan Garriga, líder de La Troba Kung-Fú comparte los secretos de la Casa Fournier, acompañado siempre por una banda sonora personalizada al minuto de la mano de Muchacho. Una visita a la antigua residencia de verano de los señores de la fábrica Aguas Fournier, en la Garriga (Barcelona). Asentada sobre manantiales centenarios, la casa se ha convertido en el refugio, la inspiración y el estudio de la banda. Sumérgete en las profundidades de los pozos, hasta subir a lo más alto de la torre para conocer cómo La Troba Kung-Fú ha dado forma a su nuevo disco, “A la panxa del bou”
“Notas de resistencia: música mestiza y derechos humanos.”
Claudia Espinosa, INICIA A.C.
Mestiroots, México
Mayo 2012
Claudia Espinosa (a.k.a Yaya) egresada de la Licenciatura de Sociología en la UNAM y tesista de la Maestría de Derechos Humanos y Democracia de FLACSO-México. Trabaja desde hace cuatro años como defensora de derechos humanos en Chiapas, especialmente vinculada a una escuela de formación para defensores y defensoras comunitarios de derechos humanos en la frontera sur de México, donde ha ido encontrado esperanza de la desesperanza de las múltiples luchas sociales a las que se ha acercado. Regecera y cumbianchera de corazón, asegura que la música se vuelve soundtrack indispensable de la resistencia social y colabora a construir discursos desde abajo sobre lo que son y deberían ser los derechos humanos.
Locomondo es un quinteto de Atenas. La primera banda que intentó combinar las letras griegas con música influenciada por los ritmos caribeños y su más puro estilo reggae. Siendo escuchados y con gran aceptación en bares y clubs alternativos de Barcelona , Madrid , Granada , Valladolid y otras ciudades del territorio peninsular gracias a la unión de su estilo de música con los actuales grupos de mestizaje españoles e internacionales.
Aquí compartimos un registro de 1 hora en vivo de esta gran banda de tierras ancestrales grabado en Junio de 2012.
Gracias Jöxe por el enlace
B-Negao siempre se ha caracterizado por ser una voz inigualable en el hip-hop brasileño, navegando entre infinidad de estilos (funk, reggae, hardcore, punk, ragga, bass) con sus anteriores bandas: Funk Fuckers, Turbo Trio y la legendaria Planet Hemp
Sintoniza Lá (2012) & Enxugando Gelo (2003) son los 2 discos que ha presentado la agrupación, ambos puedes descargarlos desde su página web bajo licnecia COPYLEFT.
DISFRUTA UNA DE LAS MEJORES SESIONES NA BRASA (MTV) CON BNegão & Seletores de Frequência
Asian Dub Foundation es una banda que tuvo sus inicios en 1993 como resultado de un taller de creación de música dub, electro, jungle y ritmos de la India orientado para migrantes de aquél país; el resultado, una mezcla inigualable de dichos ritmos y una actitud siempre propositiva, cooperativa y contestataria.
Este documental celebra los 10 años de ADF hace 10 años, no había visto la luz más que en un par de festivales de documentales, hasta ahora, que es posible verlo via youtube.
Conozcamos la historia de esta banda que además de mezclar la música de raíz hindú, nos presentan su proyecto ADFED (Asian Dub Foundation Education), una banda ejemplo sin duda para todo el mundo.
